Le véritable artiste aide le monde en révélant des vérités mystiques

Bruce Nauman

Depuis les origines de l’humanité, la peinture et son expressivité, déterminées par l’identité subjective, sont nos véritables et les plus honnêtes compagnons dans le contexte des processus d’imagination rituels, religieux, magiques, mystiques, spirituels, émotionnels, imaginaires et créatifs. La peinture est donc une expression picturale de la réalité intérieure extérieure visible ou imaginative d’un être humain. Avec elle, l’artiste pénètre dans les zones les plus profondes de la conscience et de l’inconscient, de la créativité, de la considération de la réalité, du visionnaire, du pensable ou de l’indiciable. Et bien que la fin de la peinture ait souvent été postulée, les artistes réinventent constamment de nouveaux chemins, processus de création et possibilités d’expression afin de montrer visuellement aux gens leur vérité, leur désir, leur passion, leur conception critique ou leur vision du monde.

Même si la photographie, la vidéo, l’animation ou les nouveaux médias progressent en général jusqu’au plus profond des microcosmes, des macrocosmes, des mondes réels et virtuels à l’aide des techniques les plus récentes, même si la sculpture continue à se développer par l’enrichissement de l’objet ou l’installation de l’espace pour intervenir dans les domaines de la réalité factuelle ou pour la simuler métaphoriquement et même si l’architecture a élargi la frontière de manière révolutionnaire en raison de développements technologiques complexes, rien ne s’approche de la signification de la peinture dans sa fonction unique, authentique, créée par l’homme. Hans Georg Gadamer a décrit de manière impressionnante cette unicité et la véracité de l’image dans son célèbre texte « Vérité et méthode » en utilisant l’herméneutique. Grâce au dialogue mutuel entre l’image et le spectateur, il a thématisé et progressivement élaboré les concepts de vérité, de signification, de connaissance et de compréhension.

Comment l’image artistique est-elle différente de tous les autres mondes picturaux?

Chaque jour, nous sommes exposés à un flot d’images, d’événements, de processus, d’informations, réels ou virtuels, que notre conscience et notre subconscient peuvent difficilement manipuler. La vitesse des mondes d’images et d’images générés par ordinateur est en train de structurer et de déterminer aujourd’hui plus que jamais notre vie, notre vie civilisatrice. Dans son livre « L’Inertie polaire, Essai. » Bourgois, Paris 1990), Paul Virilio a décrit de manière urgente la manière dont un être humain se trouve confronté à un flot croissant d’images et d’informations audiovisuelles dans l’environnement de travail et le monde privé et alors s’établit progressivement dans un état de stagnation, l’immobilité. L’écran devient un substitut de la réalité et évoque une omniprésence permanente de la présence universelle dans le voisinage immédiat. « L’ordre de succession » est de plus en plus remplacé par le « désordre de la simultanéité ». L’espace tridimensionnel physiologiquement tangible et ses distances spatio-temporelles, d’une part, et les événements réels successifs, d’autre part, sont filtrés de la réalité tangible et condensés dans une simultanéité virtuelle bidimensionnelle sur nos grands ou petits écrans. Les lois de l’espace et du temps sont en quelque sorte abolies et l’être humain perd de plus en plus le rapport à la réalité sensible. Il s’éloigne à un rythme effréné de son naturel et donc de sa perception sensuelle, esthétique et authentique.

Et c’est là que la peinture et l’image créée par un artiste jouent un rôle essentiel dans notre compréhension du monde. Initialement, une image est un support dans sa fonction et rend quelque chose en retour, ce qu’elle n’est pas elle-même. Par sa nature, une peinture est tout d‘abord une toile, une civière et de la couleur, rien de plus. En termes de contenu, chaque image peinte est unique, créée par un artiste. La peinture médiatique est, pour ainsi dire, le médiateur entre l’artiste et le spectateur, c’est-à-dire la plate-forme de dialogue entre eux. Et juste en raison de son unicité, de son authenticité, de son individualité, l’image peinte se distingue de toute autre image reproduite en photographie, en vidéo ou en support numérique. Dans son brillant essai intitulé « L’œuvre d’art à l’ère de la productibilité technique » (1936), Walter Benjamin a expliqué cette signification particulière de l’œuvre d’art dans la haute éloquence linguistique. Selon Walter Benjamin, l’œuvre d’art déploie sa propre aura particulière, créée à partir des expériences spatiales et temporelles stockées dans celle-ci en tant qu’expression visuelle. La signification de l’unicité de l’image, issue de « l’ici et maintenant » du processus de création, développe donc un effet spécifiquement magique et auratique qu’aucun autre moyen ne peut déployer.

Lou Ros utilise ce moment « auratic » de la peinture de manière impressionnante afin de transmettre au spectateur de ses images des messages spécifiques de manière subtile et picturale. En premier lieu, l’artiste s’intéresse à la peinture, une peinture qui mobilise les couleurs appliquées sur la toile de manière essentiellement à grande échelle, coulante et parfois avec des contours délicats accentués par des « icônes » de la nature, du devenir et du passage. Cela est particulièrement vrai pour son nouveau groupe de «Paysages». La couleur, nourrie par le pouvoir du symbole, devient la source d’énergie et l’image miroir des vastes processus d’un changement insidieux et peut-être imparable de la nature, qui passe de la beauté organique à la matière hagard, morbide et morte. Au premier coup d’œil, nous voyons des couchers de soleil sur des horizons doux, des montagnes beiges, des plages de sable ou une mer bleue. Il semble même qu’il y ait une touche de romance au-dessus des images de paysages … Lou Ros utilise le principe de l’imprécision dans ces paysages , la douceur dans l’expression picturale, afin de diriger davantage la conscience du spectateur sur le sujet qu’il désire. Gerhard Richter a développé cette technique de manière magistrale dans de nombreux travaux, notamment dans sa série d’images sur les événements de Stammheim le « 18. Octobre 1977» (https://de.wikipedia.org/wiki/18._Octobre_1977).

Les peintures de Lou Ros sont virtuoses et élaborées dans une forme d’abstraction suprême: l’artiste réduit le sujet « nature » à l’essentiel, c’est-à-dire à des images superflues, extrêmement simplifiées, des zones de couleur peintes doucement qui, dans des tons très mélangés, développent une expression très naturelle. Ainsi, l’artiste n’indique pas tant un endroit ou un objet spécifique dans l’image, mais cherche plutôt à ressentir un état dans la nature et à l’exprimer avec une sensualité émotionnelle. La nature est développée dans la peinture de Lou Ros d’une part dans les humeurs condensées métaphoriquement qui évoquent chez le spectateur des images de la propre expérience positive de la nature, d’autre part, lorsqu’un examen plus attentif crée un sentiment de vulnérabilité rampant et désagréable dans notre monde et nous devenons apparents avec la destruction croissante de confronter aux forces irréversibles de la nature.

Dans une œuvre, nous voyons une belle couleur la fonte des glaciers devant le panorama des manchots mourants. Dans une autre, sur le fond d’un paysage marin romantique, nous voyons une plage de taches de poissons morts recouverte de taches de pétrole … Dans une autre œuvre, un tourbillon sombre, puissant et destructeur se construit comme une bombe atomique. La nature se défend avec une force irrépressible contre les modifications artificielles de l’équilibre naturel et la destruction de l’équilibre écologique vital pour l’homme, les plantes et les animaux. La beauté de la nature mise en scène par Lou Ros augmente l’horreur de la destruction de la nature par l’homme de nombreuses façons. On peut parler d’un tableau effrayant-magnifique qui laisse notre conscience profondément insécurisée.

Dans son dernier travail grand format récemment achevé, exposé pour la première fois à Paris et mesurant 3 x 10 mètres, Lou Ros célèbre l’aura particulière d’un paysage de montagne avec un lac. Les montagnes, jadis enneigées été et hiver, semblent désolées dans leur monotonie grise. Les restes de neige créent des souvenirs nostalgiques de paradis de neige autrefois magnifiques. Les restes de plantes et d’arbres épars témoignent d’un héritage honteusement triste de forêts de montagne jadis fertiles. La nature ne montre plus son visage épanoui et coloré, mais un gris sombre en gris. Il n’y a presque plus de vie dans la nature. Joseph Beuys a parlé de manière très impressionnante d’une « salle qui a tendance à froid » dans son installation « Lightning frappée de lumière sur un cerf » de 1985 (Museum of Modern Art Frankfurt). Cette description s’inscrit également dans la peinture de paysage de Lou Ros, qui représente un miroir de la réalité que nous ne voulons pas vraiment admettre, même si elle est déjà profondément enracinée dans notre mémoire collective.

D’où viennent les paysages peints avec sensibilité de l’artiste, qui proclament une sorte de « renaissance de l’abstraction »?

Depuis de nombreuses années, Lou Ros a développé avec succès une peinture de portrait qui prend le visage humain ou la figure comme point de départ pour une expression picturale. Ses portraits ne sont pas apparus tels que les « Billboard Paintings » aplatis d’Alex Katz, qui représentent le portrait général et le travail au pinceau d’annonceurs tapant un visage sur des écrans grand format, mais ses visages peints révèlent des portraits d’humeur de personnes de divers horizons. Certaines des œuvres sont raffinées pour étudier le caractère, certaines sont réduites à quelques traits incisifs, d’autres sont baignées dans une couleur monochrome et font miroiter un visage comme derrière un rideau. Certaines images sont construites à l’aide de la technique d’échantillonnage, d’autres montrent des visages flous, des personnes anonymes. Les motifs viennent en partie de personnes connues, en partie d’inconnus. Lou Ros essaie d’approcher le caractère d’une personne ou l’apparence qu’il ressent. C’est ainsi que l’artiste décide avec chaque portrait d’une expression particulière, qui peut être formelle ou coloristique, en fonction des ambiances respectives ou de l’expression spécifique.

Et ici, portrait et paysage se rencontrent en termes de peinture et de contenu. Dans un portrait, le visage d’une personne devient une expression, une étude du personnage, une image de l’humeur, tout comme un paysage à travers une certaine couleur, un pinceau ouvert et une abstraction bien dosée devient aujourd’hui une humeur de la nature.

C’est peut-être ce que Lou Ros veut nous dire avec force que l’homme et la nature interagissent et s’influencent mutuellement, que lorsque nous détruisons la nature, nous nous détruisons nous-mêmes et, avec certains choix, nous pouvons influencer nos vies, la survie de la nature, l’avenir de la terre. La peinture a un pouvoir incroyable pour sensibiliser les gens à quelque chose de profond, contrairement aux documentations et aux reportages de film. Le médium de la peinture montre plus que tout autre médium la vérité de l’existence et peut parfois être très subtil, mais aussi parfois susciter avec véhémence une réflexion sur ce qui était et peut être. Les messages de la peinture sont simplement plus durables, plus profonds, sensibles, auratiques, et donc différents d’images médiales. Andy Warhol l’a montré avec ses magnifiques images de motifs en série et un peintre comme Lou Ros nous ramène à nous-mêmes et à notre origine dans la nature.

Lou Ros, Cuicui #4 2021, Acrylic and spray on wood on recycled cardboards, 200 x 270 cm
Lou Ros, Cuicui #4 2021, Acrylic and spray on wood on recycled cardboards, 200 x 270 cm
Lou Ros, Rice Bird, 2020, Acrylic and pastel on canvas, 54 x 65 cm
Lou Ros, Rice Bird, 2020, Acrylic and pastel on canvas, 54 x 65 cm
lou ros
Lou Ros, Cuicui #3, 2021, Acrylic and spray on wood on recycled cardboards, 200 x 250 cm
Lou Ros, Plage, 2020, Acrylic pastel and spray on canvas, 300 x 200 cm
Lou Ros, Plage, 2020, Acrylic pastel and spray on canvas, 300 x 200 cm
Lou Ros, Storm landscape, 2020, Acrylic pastel and spray on canvas, 200 x 160 cm
Lou Ros, Storm landscape, 2020, Acrylic pastel and spray on canvas, 200 x 160 cm
Lou Ros, Avant le test, 2020, Acrylic and pastel on canvas, 270x200 cm
Lou Ros, Avant le test, 2020, Acrylic and pastel on canvas, 270×200 cm
Lou Ros, Salin #1 2020, Acrylic pastel and spray on canvas, 200x240 cm
Lou Ros, Salin #1 2020, Acrylic pastel and spray on canvas, 200×240 cm
Lou Ros, Salin #2, 2020, Acrylic pastel and spray on canvas, 300x170 cm
Lou Ros, Salin #2, 2020, Acrylic pastel and spray on canvas, 300×170 cm
Lou Ros, Grand Cormoran, 2020, Acrylic pastel and spray on canvas, 55x46 cm
Lou Ros, Grand Cormoran, 2020, Acrylic pastel and spray on canvas, 55×46 cm
Lou Ros, Free falling landscape, 2020, Acrylic pastel and spray on cotton, 700x290 cm
Lou Ros, Free falling landscape, 2020, Acrylic pastel and spray on cotton, 700×290 cm
Lou Ros, Falling landscape #1, 2020, Acrylic pastel and spray on cotton, 290x200 cm
Lou Ros, Falling landscape #1, 2020, Acrylic pastel and spray on cotton, 290×200 cm
Lou Ros, Falling landscape #5, 2020, Acrylic pastel and spray on cotton, 180 x 120 cm
Lou Ros, Falling landscape #5, 2020, Acrylic pastel and spray on cotton, 180 x 120 cm
Lou Ros, Falling landscape #4, 2020, Acrylic pastel and spray on cotton, 180 x 120 cm
Lou Ros, Falling landscape #4, 2020, Acrylic pastel and spray on cotton, 180 x 120 cm
Lou Ros, Falling landscape #6, 2020, Acrylic pastel and spray on cotton, 180 x 120 cm
Lou Ros, Falling landscape #6, 2020, Acrylic pastel and spray on cotton, 180 x 120 cm
Lou Ros, Falling landscape #7, 2020, Acrylic pastel and spray on cotton, 180 x 120 cm
Lou Ros, Falling landscape #7, 2020, Acrylic pastel and spray on cotton, 180 x 120 cm
Lou Ros, Îles du frioul, 300 x 1000 cm, Acrylic and pastel on canvas, 2019
Lou Ros, Îles du frioul, 300 x 1000 cm, Acrylic and pastel on canvas, 2019

Les œuvres de Lou Ros sont disponibles sur Galerie Guido Romero Pierini.

Découvrez aussi  l’article de Lou Ros par Clare Mary Puyfoulhoux